En 2000, Nadya Kwandibens s’est inscrite à un programme de production de films au Confederation College de Thunder Bay en Ontario. La photographie était un cours obligatoire. Même si Mme Kwandibens a décidé de ne pas poursuivre le programme, elle s’est lancée dans quelque chose qui s’avérait plus qu’un simple passe-temps, sans le savoir. Elle a découvert une passion qui allait lui donner un nouveau but.

Mme Kwandibens travaillait pour CBC Radio et étudiait la littérature anglaise lorsqu’elle a déménagé en Arizona en 2005. La photographie était encore une activité qu’elle pratiquait seulement dans son temps libre. Cette activité a pris plus d’importance quand, un an plus tard, elle a commencé à prendre des réservations pour des séances de portraits. À mesure que la nouvelle s’est répandue, son agenda s’est rempli. Depuis, elle a travaillé sans arrêt.

Mme Kwandibens est une Anishinaabe (Ojibwe) originaire de la Première Nation d’Animakee Wa Zhing 37 dans le nord-ouest de l’Ontario. Elle a passé plus d’une décennie à visiter le Canada et les États-Unis en documentant et en partageant des portraits contemporains positifs sur les peuples et les collectivités autochtones. « Beaucoup de gens pensent que je travaille avec une équipe, mais je suis seule. C’est moi qui voyage et qui bâtis une archive », dit Mme Kwandibens, qui est aujourd’hui photographe d’événements et de portraits à Toronto. « Mon travail est profondément lié aux peuples autochtones et à nos racines. Le principal objectif de mon travail a toujours été de faire en sorte que mes photos représentent et illustrent exactement qui nous sommes en tant que peuples autochtones, en tant que nations de l’île de la Tortue, pour éradiquer les stéréotypes négatifs en mettant l’accent sur nos complexités, nos réalités et notre résistance au colonialisme continu. »

Pendant deux ans, ou ses « années crève-faim » comme elle les appelle, elle a peiné. « Passer à travers les mois d’hiver a toujours été difficile, mais je savais que je ne devais pas abandonner. Je crois en mon travail; il a pris vie et a une âme à lui », dit-elle. « C’est donc ma responsabilité en tant qu’artiste d’honorer cette âme et d’en prendre soin, de transmettre nos histoires et de faire une place pour une autre histoire. »

Elle a démarré son entreprise Red Works Photography en 2008 pour donner des images plus positives. « À l’époque, chaque fois que des gens autochtones apparaissaient dans les principaux médias, les images représentaient toujours des difficultés, des conflits et des stéréotypes. Red Works cherche à lutter contre cette représentation et montre que les réalités autochtones ne ressemblent vraiment pas à cela. »

Elle a nommé son entreprise Red Works pour honorer sa culture et son travail acharné. Dans certaines cultures autochtones, il existe un concept appelé « Roue médicinale ». Il consiste en quatre quarts de couleur où le rouge représente les peuples autochtones. Le mot « Works » ne représente pas que l’idée de l’œuvre artistique, mais aussi le concept direct du mot. « J’ai travaillé très fort pour amener ma photographie au point où elle en est afin de partager ma vision », dit Mme Kwandibens. « Pour avoir voyagé pendant des années, je peux dire que le travail préparatoire est fait depuis longtemps. »

« Ce que je souhaite le plus [que les gens retiennent] c’est qu’ils voient que les peuples autochtones sont beaux; nos cultures sont dynamiques et intéressantes et que nous perdurons et que nous sommes résistants », dit Mme Kwandibens. « J’espère que les gens voient qu’il y a clairement une présence autochtone dans la ville et qu’il y en a toujours eu une. Nous sommes ici depuis la nuit des temps. »

Mme Kwandibens a créé sa deuxième série « Red Works Outtakes » afin de lutter contre le stéréotype de l’« Indien stoïque ». Elle veut que les sujets partent de ses séances d’excellente humeur. Ayant fait du théâtre improvisé, elle applique souvent certaines des mêmes techniques pendant ses séances photo. « Les photos ratées sont amusantes! Il est agréable de mettre de côté ces images stéréotypées, en particulier l’œuvre d’Edward S. Curtis », dit-elle. « L’humour joue un rôle essentiel dans nos vies. Nous aimons rire. La vie n’est pas toujours sérieuse. »

Enfin, la série « Red Chair Sessions » parle de la revitalisation de la langue et des terres autochtones. Les sujets des portraits explorent leurs propres emplacements. Le lien entre les divers éléments de la série est que les sujets se tiennent tous assis ou debout à côté d’une chaise rouge. « Il s’agit de reconnaître que nous sommes tous des invités sur les terres autochtones », dit Mme Kwandibens. « Nous sommes des visiteurs de différentes nations autochtones et de différentes zones issues de traités. La chaise rouge représente notre lignée et notre connexion avec la terre et notre origine. »

Sensibiliser un nouveau public

Les messages que cherche à transmettre Mme Kwandibens font écho. « Dans mes profils de réseaux sociaux, les gens commentent sur ce que l’œuvre représente pour eux et sur la façon dont un portrait ou une série les a encouragés et rendus fiers de qui ils sont », dit-elle.

Il y a quelques années, Mme Kwandibens a vécu un afflux de nouveaux abonnés à son compte Instagram après que la plateforme de réseaux sociaux l’ait mise en vedette. Ce public élargi lui a fait comprendre qu’il veut en savoir plus.

« Constater l’effet que ma photographie a eu est assurément gratifiant. Il est important de sensibiliser les gens pour qu’ils puissent mieux comprendre la réalité autochtone, notre réalité », dit-elle. « Cela revient à comprendre ma responsabilité en tant qu’artiste. Il y a tellement d’artistes autochtones qui travaillent dans différents courants et médias, qui font le même travail. Faire partie de ce cercle d’artistes est un grand honneur.